… y cuando mas tarde se generalizó la práctica de retocar el negativo (con la que los malos pintores se vengaban de la fotografía), el buen gusto cayó en picado.”

Walter Benjamin, escritor y ensayista (1892-1940).

Hace un tiempo, quizás el mezclar arte contemporáneo, fotografía y moda era algo apasionante; meterse en un camino donde descubrir cuales iban a ser sus relaciones era algo excitante. Después de un tiempo, creo que todo esto se quedó en lo que tenía que quedarse, en las contradicciones típicas de nuestra sociedad.

Me condenaron, bueno, lo siguen haciendo las galerías de “arte” de este país; perdonen pero no encuentro otra manera mejor de describir lo que se expone en el 80% de las galerías sino con unas comillas para que cada uno lo adjetive como quiera o le convenga; a ser fotógrafo de moda. Es decir, que Moda como su nombre indica, era algo que no iba a resistir el paso del tiempo y que chocaba contra la intemporalidad del Arte. Resumiendo, que como yo utilizaba determinados vestidos en mis fotografías, éstas estaban condenadas a tener menos valor que otras; dicho en otras palabras, que esos vestidos o esa “moda” impedía ver lo que se contaba en la imagen. Eso a mí en ese momento me dolía mucho, porque realmente la “moda” que se veía en mis fotos me daba absolutamente lo mismo, yo quería crear imágenes y eso era una excusa. Bueno, lo que me daba y me da lo mismo es la moda del uniforme; esa que llevamos todos, todos los días y que sirve para reafirmarnos en la normalidad establecida. Esa que hace que el individuo se sienta confortable dejando de ser individuo. Y casi, por ese motivo, me quedé sin alternativa ni libertad para vestirme como quería, porque en el otro lado intentando luchar contra esto aparece otro uniforme, el del “artista” que quiere demostrar algo sin abrir la boca, que se diferencie bien del resto.

La moda, excepto determinados casos, hoy es aburrida y sobre todo rentable; como la sociedad en general. Me dijeron una vez con mucho acierto que hoy en día la gente muere a los 30 años y se la entierra a los 70.
Así, en este panorama la fotografía, la moda y el Arte se mezclan por interés. Ellas intentando ser reconocidas como arte a toda costa; el otro, dándole lo mismo la calidad con tal de ofrecer a compradores lo que demandan. Creo que por primera vez el Arte o el mundo del arte ha descendido de tal manera su nivel, que persigue a la sociedad; se adapta y se vende a ella. Ya ha dejado de ser la punta de lanza a seguir.

El Arte se ha convertido en moda; y por lo tanto,¿ porqué la Moda va a seguir dejando de ser Arte?

Algunos museos exhiben piezas y vestidos que para mí son Arte. Solo espero que esas galerías que me rechazaban por ser fotógrafo de moda, aunque ellas estén sujetas a la moda del arte; que es como decoración pero de un poco mas de nivel ;no se pongan como locas a presentar moda, porque si no, corremos el riesgo cuando paseemos por nuestras ciudades de no saber si lo que tenemos ante nuestras narices es galería, tienda de ropa o tienda de decoración; que por estilo están muy próximas. Muchas veces lo mejor de allí son los espacios; y más ahora que se vende por centímetro cuadrado; por metro cuadrado en el caso de las fotografías que son mas fáciles de reproducir; y por minutos en los videoartes; que ahora dejar la cámara fija es muy barato. ¿matarán estos videos y Youtube el cine?

Eugenio  Recuenco -  eugeniorecuenco.com

William Eggleston (R)

Amanece y antes de que la luz sorprenda al asfalto ya estoy degustando una pulguita jamonera. Rodeado de corbatas sobrias y maletines vacíos de ilusiones, la barra abre un hueco a la esperanza y a la belleza de una melena roja que se sabe salvaje, ahora atrapada en un traje chaqueta.

Pateo las calles de este Madrid que adoro y que parece detestarme, que me expulsa de sus calles, que me enseña sus fauces de tierra y hormigón, que me obliga a ser veloz y a deambular en su laberinto improvisado de pasarelas y suelos falsos.

Los obreros de alma fluorescente recitan poemas vestidos de piropos al compás que marca el caminar de las caderas indolentes. La luz escapa ya, cerril, a sus límites  y ciega al que ose abandonar la lectura detenida del camino.

Y es entonces que me percato de que un apache con cara de suizo lleva tiempo siguiéndome, revelando su presencia en las esquinas y paradas de autobús, y corro, corro y me refugio en las catacumbas de la urbe, sin fé en la huida, para descubrir que bajo el asfalto, vive Eggleston.

——————————

Cabritos culturetas,

pedantes,

gafapastas que escuchan a Mecano en la soledad,

artistas, 

manipuladores de realidades,

galeristas-amiguistas, ¿algo mas bello que la amistad?

amantes de lo exiguo, de lo oculto en lo obvio,

enemigos de los foros virtuales (porque la teta que es virtual, ni es teta ni es ná),

voluntarios de camiseta rockera y bambas de skate,

adoradores de Ballen,

enemigos de la mella,

rescatadores de la cámara de su abuelo,

ni son todos los que están, ni están todos los que son, ¡Y que mas dá!

…

¡PHOTOESPAÑA!

¡Te  amo, de no existir tu invención sería obligatoria!

Seguir las mismas reglas es el camino mas rápido para que los dos hagamos las mismas fotos”

Sin duda, el digital ha supuesto una nueva era al democratizar el acceso a la fotografía a personas que ni siquiera se hubieran planteado su uso anteriormente. No obstante hablamos simple y llanamente de técnica. Se ha perdido quizá el compenente manual y artesanal que tenía anteriormente, más allá de la imagen intangible de un monitor.

Antonio Graell hace una propuesta que me parece interesante. Dado que lo único realmente necesario para fotografiar es la luz, ¿qué ocurriría si utilizáramos la luz que emite nuestro monitor para impresionar un papel fotográfico convencional? El resultado es la halurización del píxel, la simbiosis de ambos mundos. La simplicidad frente a la vorágine.

Antonio es un habitual de Foto36, así que podrá responder a vuestras preguntas, comentarios e inquietudes.

Podéis ver el trabajo de Antonio Graell, “ La Halurización del Píxel” expuesto este Viernes 22 de Mayo de 19 a 23h y el Domingo 24 de 12 a 16h en Metol-4, Calle San Pedro nº6 (se entra a través del portal), Metro L1, estaciones de Antón Martín o Atocha. Madrid (una lástima no poder acercarme)

Probablemente el tiempo es una de las variables más importantes en fotografía. Todo lo que tratamos de reflejar en una imagen ocurre en un momento determinado. Puede ser apenas un instante o un tiempo más prolongado; todo depende de nuestras intenciones. Hacemos click y recogemos los acontecimientos que suceden a nuestro alrededor. Grabamos quizás el presente para convertirlo en pasado. Creemos que hemos atrapado una porción del tiempo pero nos estamos equivocando. No tenemos tanto poder.

El tiempo es una invención del ser humano. Es la manera en la que hemos querido ordenar los sucesos de nuestra vida. Sin esos sucesos, el tiempo no existe. Hemos escogido el giro completo de nuestro planeta para asignar el concepto de día a un movimiento. Si esa traslación de la Tierra no existiese, habríamos buscado otro patrón de medida. La colocación espacial de nuestras percepciones nos da la ilusión de que estamos viendo pasar el tiempo. De hecho se podría decir que sin sensaciones o pensamientos, no somos capaces de identificar tiempo alguno.

Los segundos, minutos, horas y días son componentes de una medida que pretende colocar en secuencia todos los sucesos a los que podría referirse el tiempo. Y si profundizamos un poco en esta idea de acontecimientos ordenados, tendremos que el futuro no existe puesto que “sus” sucesos aún no han sido situados en nuestra hilera de percepciones; y tampoco existe el pasado como referencia temporal porque estaremos mencionando un orden de hechos que nuestra memoria ha organizado a su antojo.

¿Qué pretendemos grabar en nuestras fotografías? ¿un presente que se nos escapa? ¿un pasado inexistente? ¿queremos quizás medir nuestro tiempo?

Hay una paradoja en fotografía que siempre me ha parecido intrigante. La nitidez en un retrato se va perdiendo a medida que aumentamos la exposición. Cuanto mayor es el tiempo que nuestra cámara se asoma al mundo, menos se aprecia la figura humana en la imagen. Se va difuminando y borrando de la escena hasta el punto de desaparecer del todo en exposiciones muy prolongadas. Es quizás el intento de un imposible, perdurar un falso presente. Es un grito imaginado contra la necesidad de atrapar un tiempo inexistente.

Con motivo de la presentación el próximo mayo del trabajo realizado en Cuba por el fotógrafo Rubén Morales, contacté con él para la realización de una entrevista, a la que él amablemente accedió. Presento a continuación los contenidos recogidos tras nuestra conversación.

Foto36. Debo decir Rubén que lo primero que me llamó la atención al conocer tu proyecto fué el título, me pareció incluso algo pretencioso, quiero decir, hay que tener muy buenas fotos para apoyarlo.

Rubén Morales. Entiendo que pueda parecerlo,  pero todo surgió de la manera mas natural. Estuve mas de un mes recorriendo la isla, por razones que no vienen al caso, ibamos cargados de pesos cubanos, lo que nos dió “acceso” a lugares donde normalmente los turistas no entran. Fueron muchas las personas con las que hablamos y que se abrieron ante dos personas extrañas.
El momento que hoy día está viviendo la isla es histórico. El comandante Fidel, se retiró  del mando de la Isla,  con lo que muchos cubanos y cubanas quedaron espiritualmente huérfanos, por que Raúl no es lo mismo. Sin embargo las ideas mas aperturistas de Raul y el triunfo de Obama ilusiona a una gran mayoría de cubanos que tenían muchas esperanzas puestas en el presidente americano.
Eso nos hizo ver que la verdadera revolución que van a vivir aquellos que no vivieron la del 59, va a ser la que les va a tocar vivir ahora con sus cosas buenas y sus cosas malas.

F36. Me parece que pase lo que pase, los cubanos están curados de espantos.

RM. Si, pero hay muchas cosas que no conocen, de la misma manera que su soltura es evidente ante ciertos aspectos, hay muchos otros que le son totalmente desconocidos y a los que les puede costar habituarse, como puede ser la posible aparición de mafias o el mundo de las drogas. Por desgracia ya conocen el mundo de la prostitución, pero tengo la impresión que por motivos mas relacionados con la supervivencia.

F36. ¿Cómo nació el proyecto? Era algo en lo que habías pensado antes o fué naciendo durante cada paso que dabas en la isla.

RM. No puedo decir que fuese a Cuba a hacer esta serie en concreto. No había estado antes allí y no sabía bien lo que me iba a encontrar, lo que si tenía claro era que por una vez iba a apartar  las maletas llenas de cámaras y objetivos y viajaría con muy poco equipo. Cogí unicamente mi recién adquirida Rolleiflex y una mochila llena de TriX. Una vez allí todo fué surgiendo, una serie de acontecimientos provocaron que nos tuviéramos que introducir de lleno en la sociedad cubana, conviviendo y compartiendo con ellos día y noche de forma muy cercana.
Los retratos y nuestra aventura iban apareciendo facilmente.

F36. Me interesa mucho esa forma de acercamiento a la gente, ya que creo que cada fotógrafo tiene una manera personal de acercarse a sus retratados. Por un lado tenemos a un extranjero con una cámara en la cintura que se acerca y por otro a una persona que va a ser retratada y que debe estar pensando que que tiene de especial para ser objeto de una fotografía ¿Cómo te acercabas a la gente y sobre todo que hace al cubano diferente y especial?¿Que lo hace merecedor de un retrato?

RM. Pues todo depende de cada persona, pero  por lo general entrando con respeto e interesándote por lo que están haciendo, son muy colaboradores. En el fondo se saben especiales, muchos son los extranjeros que visitan Cuba como si se tratara de una gran reserva, una reserva de especies en peligro de extinción. Todos hemos escuchado el comentario: “ ¡Hay que ir a Cuba antes de que se acabe la dictadura!” Nosotros vamos a ver otro mundo, en parte utópico y ellos sabiendo lo que representan, se muestran dispuestos a ser inmortalizados.
También ayudó el tipo de cámara que llevaba, es muy distinto acercarte con una rollei en la cintura con una cámara reflex, con la que uno se tapa la cara y resulta  mas intimidatoria. Mi mujer llevaba una reflex  y muchos fueron los que le pedieron dinero, a mi nunca me pasó, muchos de ellos me dieron su dirección de correo.

F36. ¿Para recibir las fotos?

RM. Si, y cuando la exposición acabe tendré que trabajar para poder realizar un envío masivo de copias, aunque me gustaría mas entregarlas en mano.

F36. Tendrías que volver cuando la revolución ya no esté pendiente.

RM. O se esté produciendo…

F36. Haces las fotos, acabas tu viaje, regresas y tienes tiempo para pensar ¿Qué te has traido de Cuba aparte de fotos?

RM. De Cuba me he traido sensaciones contradictorias. Es dificil quitarse los estereotipos de la cabeza, pero llegas alli y… ¡zas! Cuba no es Varadero, ni siquiera la Habana. Cuba es mucho mas que eso. Y se está cayendo a pedazos. Es una sensación de impotencia tremenda ver como sea por lo que sea, eso ya me da igual, las casas se caen, la gente se siente  desmotivada y la sensación  de que toda esa alegría interior del cubano esconde en realidad una gran incertidumbre. Me cuesta poner en orden las ideas sobre lo que he vivido, y creo que nunca me decidiré, Cuba me ha cautivado y solo pienso en volver a todos esos pueblos del interior, a los que se llega por carreteras llenas de agujeros y repleta de personas haciendo autostop para ir de aquí para allí.
La esencia de Cuba está en esos pueblos.

F36. Parece que Cuba te ha herido.

RM. Y profundamente. Pasé allí bastante tiempo y fueron muchas las anécdotas vividas.

F36. ¿Alguna que quieras contar?

RM. Puede que la mas importante, y la que hizo que el viaje tuviera el carácter que tuvo, fué la ocurrida en La Habana. Allí sufrimos un percance monetario que hizo que durante todo el viaje no nos sobrara el dinero precisamente, aunque por suerte teníamos pesos cubanos.
En un punto de la isla, de nombre que no recuerdo, llegamos a un pueblo medio derruido que fué construido alrededor de una antigua central azucarera, allí había un montón de locomotoras antiguas.
Un señor que las cuidaba se acercó para preguntarme si las quería ver; le dije que no le podía dar nada a cambio, que nos habían estafado en la capital. Llamó a sus amigos y me hizo contarles el episodio. Eran tres señores que en la vida habían salido de ese  pueblo y las historias de la ciudad les apasionaban. Cuando acabé uno de ellos se metío en un cuarto, cogío una piña y me dijo: ¡Al menos hoy cenarás piña!
No sabía como negarme, no quería ser desagradecido, ibamos mal de dinero, pero teníamos para comprar comida. Tanto insistieron que me fuí de allí con la piña y con su dirección para mandarles el retrato que les hice.
El que iba a pedirme un peso para enseñarme las locomotaras, acabó dándome la cena ese día.
Ese episodio todavía me emociona, todavía recuerdo sus caras,…, como niños.

F36. Pobres con alma de reyes.

RM. Si, no sabes la sensación que me produce recordarlo.

F36. En la isla tuviste que coincidir con mas españoles, algunos de ellos fotógrafos seguramente.

RM. Si, aunque por las zonas donde mas nos movimos no suelen entrar en los tours.

F36. Te lo pregunto porque existen ciertas zonas que, no sé como decirlo, están ciertamente explotadas fotograficamente esto puede suponer  que ese lugar pierda su atractivo aunque otras veces puueda suponer la motivación para hacer algo distinto.

RM. Mira el Malecón, de él se han hecho miles de fotos y sin embargo nunca pierde su atractivo.

F36. Pero, véndeme tu trabajo ¿En que se diferencia de esas fotografías con las que nos pueden  bombardear nuestros familiares al llegar de vacaciones?

RM. Son retratos hechos con pasión y mucho corazón, en los que he buscado algo mas que simplemente sacar a la gente de la isla. Decidí dignificar de la unica manera que sé a esas personas anónimas que no siempre llevan una vida fácil, en estas fotos aunque no voy a ponerlo en las cartelas hay gente de todo tipo y condición, niños con todo el futuro por delante y adolescentes hundidos en la desesperacion de no poder salir de alli. Pero no queria mostrar ni la miseria ni las apreturas. Solo los rostros, cuerpos y atuendos de unas personas curtidas en un mundo muy distinto al nuestro, pero siempre desde el respeto y desde la ética fotografica. Si analizas la perspectiva de el 99% de las fotos sabrás lo que te digo.

F36. ¿Y donde dejaste los pixeles? ¡Con todo el trabajo que te hubieras ahorrado! ¿no?

RM. ¡¡¡No eres el primero que me lo dice!!!

F36. Espero que sepas que estoy siendo totalmente irónico.

RM. Jajajaj ¡claro!

F36. Es que parece raro que alguien disfrute del proceso fotográfico químico, por lo menos hoy en día muy poca gente lo comprende.

RM. Este trabajo no tendria ningun sentido si no hubiera sido así. El mes y medio que  he estado dentrol del laboratorio ha formado  parte del viaje también. Seguia allí estando aquí.  Dándome cuenta de detalles que no ví en su momento, madurando ideas, machacándome con las contradicciones de mi viaje, …

F36. ¿Pero es para ti una tortura estar en el laboratorio?

RM. Trabajar en el laboratorio es la segunda mejor cosa que puedo estar haciendo. La primera es estar detrás de la cámara.

F36. Me parece importante que quede claro  porque a muchos novatos se les enseña que el laboratorio es poco mas o menos que para sadomasoquistas, de hecho la práctica química está siendo apartada de algunas escuelas de fotografía.

RM. Si, y es una pena. En mi caso debo explicar  que mis primeros trabajos remunerados en el mundo de la fotografia fueron como retocador digital en el año 2002.  Aún  no habían aparecido en el mercado las  primeras reflex digitales y trabajaba para fotógrafos que escaneaban sus negativos.
¡Empecé con los pixeles antes que con los haluros!  Trabajaba con estudios por mis conocimientos de photoshop, cuando apenas unos pocos lo tenian instalado en casa. Después empece a estudiar en una escuela de fotografía.  Sólo habia estado una vez en un laboratorio,  las otras veces se trataban de prácticas en el baño de mi casa,  y empecé a enamorarme, al principio sobre todo de los olores, … , pero hay que comer,  en los años siguientes monté mi estudio y ni me planteaba no tirar con digital, usando cámaras reflex y con un respaldo Phase One. Y aun hoy todo mi trabajo comercial está hecho con digital. Para mi es una  tortura  estar un minuto delante del ordenador, vaciando tarjetas, abriendo archivos pesadísimos en photoshop y todo tipo de procesos asociados, pero es lo que hay.
Por otro lado, el laboratorio es un remanso de paz. es una habitación donde el tiempo se para. Sabes cuando entras pero no cuando vas a salir. Es un sitio irreal, iluminación roja, olores a químicos,…,  es tan diferente a cualquier otra estancia en este mundo,que hacen de el un sitio de donde no saldría en la vida. Bueno si, ¡para ir a Cuba! Jajjajaj

F36. Aviso para navegantes. No renuncies a nada.

RM. A nada.

F36. ¿Visionaste algunos trabajos sobre Cuba antes de realizar tu viaje?

RM. Visioné un trabajo estupendo del fotografo Rogelio Camargo en Entrefotos. Me encantó  la forma de positivar esas pieles, eso me inspiró mucho en el laboratorio. Las tomas son muy distintas, pero a Rogelio le debo la estética del copiado,  me influyó  bastante y además tres meses antes del viaje me puso su Rolleiflex en mis manos. Desde ese momento supe que en cuestión de días tendría una.

F36. Háblanos de la Rollei. Parece que el que la coge no la suelta. ¿Conoces a Baylón (sinónimo de Rolleiflex) personalmente?

RM. No es nada ergonómica, no se ve bien por el cristal ( por lo menos no tan bien como en las mamiyas) no tiene objetivos intercambiables, jjajaj, no lo sé, pero es alucinante, su peso, su ausencia de espejo, su robustez, fiabilidad,la calidad de sus lentes, es una joya. Desmontándola llegué al obturador, es como un reloj suizo por dentro.
Baylón es otro Rolleiero, estuve con él  en su última exposición “Ladrones de corazones”. Se me hace difícil imaginarme a Baylon sin su Rollei.

F36. ¿Sabes que los fabricantes Franke y Heidecke están en bancarrota?

RM. Rolleis que me interesan son las anteriores al 60, me da mucha pena por lo simbólico del asunto, pero no me preocupa. solo me preocupa pillarme lo antes posible otra en mejores condiciones que la mía para no tener que preocuparme en la vida.

F36. Ya me recomendarás una.

RM. ¡Por supuesto! Sin pilas, ni circuitos, …

F36. ¿Dónde podemos contemplar “Retratos de una revolución pendiente” y de que tipo de exposición se trata?

RM. La exposición es en la Real Sociedad Fotografica en Madrid, situada en la calle Tres Peces número 2 (metro Lavapiés) un lugar emblemático cuanto menos.  Se inaugura el 7 de mayo  a las 20 horas y podrá verse hasta el 3 de junio, salvo el día de la inauguración el horario de abertura será de 18:30 hasta las 21 horas.
Consta de treinta obras de un tamaño de 60×60 cm con una mancha fotográfica de 45×45, respetando el formato cuadrado de mi  cámara, van montadas en passepartout blanco roto y a su vez en un marco de haya en caja. Los marcos también los he fabricado yo.
Para añadir mas datos técnicos diré que usé película koda trix 400 revelada con d76 (todo un clásico)  y que el papel que he utilizado es Foma 131 revelado con d52 que mezclo yo mismo.
La exposicion no está situada politicamente, es algo que he querido mantener desde el principio y no tengo otro interés con ella que el que las personas que la vean sientan algo de lo que yo pude sentir retratando a aquellas personas.

F36. Bueno Rubén, gracias por esta entrevista y te deseo la mejor de las suertes con esta exposición.

Ya sabeis, si quereis ver el maravilloso trabajo de este  viajero (que no  turista) no lo dudeis y visitad la Real durante los próximos meses.

P.S. Vídeo sobre el trabajo.

(Lee Friedlander (c). New York City 1966)

Hablaré hoy de un extraño rito que acontece dos (o cuatro, no me acuerdo) días al mes en la agrupación fotográfica a la que pertenezco. Este rito llamado  EL MENSUAL propone la muestra, por cualquier participante de forma voluntaria, de un número de fotografías de las cuales el “pueblo soberano”, de forma democrática, elegirá una para engrosar el plantel de una futura exposición.
(Dejaré para otro día el plantear si el número de exposiciones fotográficas es excesivo y de Juanito se ha pasado a Don Juan.)
Se acerca el fotógrafo con su carpeta bajo el hombro hacia el atril y allí cuidadosamente deposita sus copias, normalmente con  passepartouts reciclados (para que las dimensiones de la foto acepten al marco y no al revés, primero fué el marco y luego la copia), el orden es importante, la orientación mas, dimensiones consonantes, apaisadas con apaisadas, verticales con  verticales, no mezclar blanco y negro y color,…
Una vez allí , empieza la visualización, unos se levantan y escudriñan sus valores técnicos, uno grita que seguramente ha sido hecha a una abertura de 5′6, otro que la profundidad de campo es insuficiente, que una luz se ha quemado, que está ligeramente trepidada, que que bonita, que maravilla de composición, que diagonales, …

Y una vez violada, el pueblo vota, atendiendo a valores tan “importantes” como la regla de los tercios o la presencia de tonos en las luces.
Suele ocurrir que siempre (o casi) una vez elegida la ganadora del grupo, el autor exclama: ¡Pues a mi me gusta la otra!
Pero que importa, lo importante es la medida general, la imposición de la media estadística de los gustos, y en eso se ha convertido la obra seleccionada de este fotógrafo, que ya está  guardando su copia favorita para que no vea mas la luz.

Merecida es esta condena por la falta de valentía del autor, incapaz de elegir entre sus propuestas y que deja que sean otros los que realizan sus funciones.
Puede ocurrir que necesitemos ayuda para encauzar un trabajo, busquemos entonces a alguien que visione nuestras fotografías y escuchemos sus directrices, eso si, que no sea nuestra madre o abuela.

¿Qué fotografías haces?
Yo sigo los designios del gusto medio del español de la calle.

Esta respuesta, suficiente pretexto como para aparcar las cámaras y que recojan polvo para siempre, no indica nada distinto a lo narrado anteriormente, ¿alguien podría soportar dicho trámite?
Y sucede que como el gusto general se convierte en costumbre, nuestro amigo fotógrafo deja de hacer la fotografía que le gusta y empieza a realizar la que gusta al resto, y se convierte ahora en previsible y se convierte ahora en un aburrido fotógrafo que nunca nos volverá a sorprender.
Y así ocurre también en los profesionales de la concursística, aquellos que saben lo que gusta en cada casa y para tal casa proponen un trabajo específico, no atendiendo a la temática sino al juicio conocido.
Todos absorbidos por la masa, encuadrados en la media estadística del gusto, por la democracia estética que se convierte en dictadora.
Debe existir un paso intermedio entre lo anterior y el pensar que eres un artista porque nadie te entiende, entre provocar siempre las mismas respuestas previstas de antemano o el buscar que no las haya.

Quizas sea el momento de retractarme (retractarnos) de posts anteriores en los que se valoraban los fallos de algunos concursos ( Miguel Ángel Tornero, Bleda y Rosa,…) y el funcionamiento de las galerías y salas de arte , plantear si no son en realidad las estructuras ya formadas, las mejores para realizar valoraciones, o si nacieron para solucionar estos problemas.
¿Hemos participado desde aquí a la expansión del gris medio? Si es así, pido perdón.

En lugar de dar carnés a quien no sabe conducir, en lugar de una democracia directa donde opinen meros diletantes, dejar que sea la élite, los ilustrados, los que opinen, seleccionen y premien.
Contra la democracia dictadora, la dictadura de un sabio.

¡Encuentren a ese sabio, rápido!

Expuestos de forma cruel y constante ante una nueva promesa de cuadrar el círculo, ante la resolución de problemas que ni siquera sabíamos que lo eran y que ahora nos parecen horribles e insoportables.

Marionetas en manos de un mercado que crea, a un vertiginoso ritmo, supuestas mejoras y estrategias para su venta, que apuntan al sentimiento de posesión, de innovación del ser humano. Estar a la última, como si eso dependiera de los medios y no de las mentes, ahí es donde atacan de forma impía, creando nuevas necesidades, haciendo que algo parezca imprescindible cuando no lo es.

Aprendimos a escribir hace mucho ya, pero pretenden que volvamos a aprender cada día, a cada hora, renovar la nada, volver a hacer lo mismo pero de otra manera, decir lo mismo pero con otros medios, llegar al mismo punto pero con otras técnicas. Obligados a cambiar el lápiz y la forma de empuñarlo por imperativo legal.

Una nueva forma de escribir, eso prometen, y entramos en el reciclaje de conocimientos contínuo y sin ninguna necesidad. Mientras te reciclas no rindes, mientras estudias no creas, mientras estudias sólo estudias.

¿Por qué nadie estudia sobre el que fotografiar y todo el mundo lo hace sobre como hacerlo?

Nuevo software que nunca usarás, nueva cámara cada seis meses, nuevas funciones que nunca te van a hacer falta, reductores de ruido, interminables fases por segundo, programas de aumento de rango dinámico, reveladores de archivos digitales, filtros virtuales, catalogadores de imágenes, visualizadores con gestión de color, calibradores de impresión, perfiles personalizados,…, cuanta pamplina para llegar de A a B por caminos diferentes. No hay tantas formas para andar el mismo camino.

Aprendemos a escribir, a fotografiar, cada día, otra vez, otra vez, otra vez, como escribías ayer era incorrecto, hay que hacerlo de esta manera, no, de esta nueva manera, eso ya es viejo, ahora, esta es la manera,…

Alguien supondrá que este escrito hace apología de lo estático y lo mediocre, les diré que intenta tratar la estúpida pérdida de tiempo y medios. Actualizarse está bien cuando no supone la mayor parte de nuestra vivencia fotográfica.

Por último y como no puede ser de otra manera, siendo yo el tonto las citas, una frase extraida de una entrevista  al fotógrafo (magnífico) Álvaro Ybarra Zavala y que él tiene como uno de los mejores consejos que le han dado: “no caigas en el error del mundo que rodea a la fotografía. Céntrate en los trabajos y haz lo que realmente quieres hacer, porque es lo que realmente vale”.

P.S. Dedicado al friki  que inunda mi correo con todas las novedades fotográficas del mercado, para que abandone su Día de la Marmota particular  y empiece a hacer fotos, y al iluminado al que se le ha ocurrido poner una sección de material en la revista Ojo de Pez.

Foto (c) Ralph Gibson

(Julián Barón. La Mancha, 2008)

Para Julián Barón hacer fotos debe de ser algo muy fácil, una actividad fluida y debe ser así por la manera en la que consuma sus capturas, por la manera en la que complica lo sencillo y encuentra detalles en lo habitual. Los detalles, los detalles lo son todo, lo inundan todo; son los que hacen que fotografías en apariencia sencillas nos sumerjan en un ambiente, los que describen la luz que en una tierra brilla, son los que me hacen querer saber que existe detrás de una cortina blindada de rojo.

JULIÁN BARÓN.

Castellón, 1978. Fotógrafo. Coordinador de la Escuela Blankpaper en Castellón. Profesor de Fotografía Documental.

http://www.julianbaron.com

¿Qué supone para ti el documentalismo?

¿Documentalismo? Creo que este término es una forma más de intentar clasificar todo lo que el ser humano tiene en sus manos. Parece ser que clasificándolo todo, somos y tenemos mejor conocimiento sobre los temas. ¿No sé por que?
Sin duda una fotografía o un proyecto fotográfico (reportaje, ensayo…) debe de generar una reflexión, sino da igual que sea documental, artística, foto periodística, de autor… y otros mil millones de clasificaciones mas.
No me gusta clasificar. La fotografía es fotografía, y toda tiene un sentido y una vía de escape hacia el espectador, que debe reflexionar también acerca del mensaje que se le transmite.

(Julián Barón. La Mancha, 2008)

¿Qué hace bueno un reportaje?

Un reportaje lo hace bueno un cúmulo de puntos a tener en cuenta. Por un lado el fotógrafo debe analizar y reflexionar sobre lo que ocurre ante él, cuando está frente al acto fotográfico, para conseguir la fotografía que de cadencia a otros cientos de fotografías tomadas sobre el proyecto. Luego existe otro punto importante que es el de editar y dar coherencia narrativa al conjunto de imágenes. Y por último creo que el espectador debe también de ser reflexivo y ser el más crítico con el reportaje.
Un buen espectador no se deja llevar por lo que opinen las masas, y mantiene su propio criterio.

(Julián Barón. La Mancha, 2008)

¿Qué papel tiene que tomar el fotógrafo ante lo que ve?

Como he comentado en la pregunta anterior, el fotógrafo debe ser él mismo, con sus aciertos y fallos en todo su esplendor. Pero sobre todo debe mantener un respeto y compromiso con el acto fotográfico y todo lo que ello implica. La fotografía no es solo imágenes.

(Julián Barón. La Mancha, 2008)

¿Debe predominar el estilo sobre la información?

No creo que estos terminos tengan una jerarquía de uso, puesto que se
deben complementar y no enfrentarse o crear un conflicto de ego. Es
decir, el fotografo tienen implicito su estilo y la información esta
en forma explicita hacia donde se dirije la mirada y porque.
Lo unico que debe predominar (si es que algo tiene que predominar) es
el compromiso.

(Gonzalo Höhr. SÁHARA)

Continuando con el artículo anterior y aprovechando las bondades de La Red, que nos han permitido contactar con varios fotógrafos de apreciada opinión, he realizado un pequeño cuestionario, sin pretensión de entrevista, con preguntas que pueden parecer algo laxas pero que creo nos permitirán definir (si eso es posible) lo que es el documentalismo y algunas de sus implicaciones.

Las preguntas eran las siguientes:

1. ¿Qué supone para ti el documentalismo?
2. ¿Qué hace bueno un reportaje?
3. ¿Qué papel tiene que tomar el fotógrafo ante lo que ve?
4. ¿Debe predominar el estilo sobre la información?

Agradecezco las amables respuestas obtenidas (recogidas en éste y otros artículos posteriores) y disculpo, como no podía ser de otra manera, a aquellos que no respondieron. Deseo que la estrechez de sus agendas no cese.

JOSÉ MANUEL NAVIA.

http://www.jmnavia.blogspot.com

Fué la primera persona a la que se me ocurrió preguntar, por lo que encontrar su respuesta en mi bandeja de correo supuso para mi una monumental alegría:

Hola Sergio.

Perdona el retraso en contestarte, pero he estado viajando sin parar hasta ahora y a tope de trabajo.
(1.) Creo que el buen documentalismo, el buen reportaje, debe encerrar una enorme curiosidad por el mundo que nos rodea, filtrado, eso sí, por nuestra propia mirada, que es como decir por nuestra inteligencia y sensibilidad.

(3.) El fotógrafo con la cámara sólo debe plantearse preguntas, y a veces, sólo a veces, la fotografía puede ser la respuesta (como decía Lisette Model).

(4.) El estilo sólo debe ser el fruto espontáneo de un trabajo continuado, independiente y honesto, unido a una vida vivida lo más plenamente posible. Preocuparse por el propio estilo solo lleva a amanerar el trabajo (aunque a veces pueda llevar también a una fama efímera).

Un cordial saludo.
José Manuel Navia

RICKY DÁVILA.

Hace tiempo que no logro hacer plano medio corto sin acordarme de IBÉRICA.

(1.) Distingo entre documentalismo y periodismo. En el primer caso, el campo de acción es más amplio e incluye la autoría y una aproximación subjetiva al motivo fotografiado que permite, entre otras cuestiones, un desarrollo más formal, poético, o como quiera decirse, en perjuicio del espíritu informativo del trabajo.

(4.)En el caso del periodismo, la acción fotográfica está vinculada -y acotada- a los medios de comunicación, en los que de modo creciente hay muy poco espacio para la aproximación subjetiva al tema y, por lo mismo, ningún margen para la acción poética.

Un saludo,
R.

(Gonzalo Höhr. SÁHARA)

GONZALO HÖHR.

http://www.gonzalohohr.es

Gonzalo es un magnífico fotógrafo con un amplio currículo, es director de AL LIQUINDOI (junto a Jessica Murray), desde donde se organizan talleres que cuentan con la presencia de fotógrafos de talla mundial.

(1.) El documentalismo es “masticar” la realidad para que pueda ser “digerida” por los demás. Documentar es el acto por el cual analizamos una situación desde distintas vertientes para así poder sacar conclusiones más profundas y cercanas a la realidad. Haciendo una comparación un poco simple, diríamos que el fotoperiodismo gira en torno a la realización de una portada de un libro que explique todo el contenido interior, y la fotografía documental se encargaría de escribir las páginas del mismo.

(2.) No sé si distinguir entre reportajes buenos o malos, pero si lo haré entre interesentes para mí o no. Para mí un reportaje bueno consiste en crear un análisis único sobre el tema tratado. Más allá de atractivos estéticos y funcionales, un reportaje bueno es capaz de conmover a cualquier persona y permanecer en nuestras memorias para siempre.

(3.) El papel del fotógrafo frente a lo que ve, desde mi punto de vista, es uno de los factores que más condicionan un reportaje. La actitud que un fotógrafo adopte frente a una situación será la que marcara el carácter último de sus imágenes. Creo que ser sincero consigo mismo, coherente con lo que haces y respetuoso hacia quienes te muestran su historia, es algo indispensable para luego sentirte con derecho y orgulloso a difundir un reportaje.

(4.) No lo creo. Creo que deben ir de la mano y complementarse uno al otro. Sucede mucho que ciertos temas tratados con determinado estilo producen un conflicto que no ayuda en nada a un reportaje. Aunque el mismo tema puedes abarcarlo desde distintos estilos fotográficos, siempre hay que tener presente que dicho estilo condicionará la lectura del tema.

Un saludo,
Gonzalo Höhr

Las respuestas son siempre eso, respuestas. Personales, basadas a veces en connotaciones intransferibles, en vivencias, extraidas de conversaciones interminables,…, respuestas. Eso si, algunas respuestas se comportan como los hombros de un gigante, el que en ellas se apoye conseguirá ver mas alto.

(En el próximo artículo, será Julián Barón quien conteste a nuestro cuestionario).

” Reportaje documentado sobre un tema en concreto, que ha sido planteado como un proyecto a largo plazo y no necesariamente a acontecimientos actuales. La selección de temas, la presencia subjetiva y la dedicación del fotógrafo contribuyen a la eficacia del proyecto.”
Arianna Rinaldo, Magazine Ojo de Pez, 02.

(Esta definición me parece perfecta salvo por la omisión de la fotografía de viaje con vocación documental, los “journeys“)

El término documento o documental fué acuñado por el cine para designar un tipo de trabajo no basado en la ficción o la fantasía sino en sucesos o hechos, ilustrados sin unas reglas fijas y con la utilización de todas las herramientas de expresión posibles.
Posteriormente fué acogido este término por la fotografía, con el mismo sentido, siendo visto desde la distancia por la mayoría de fotógrafos y considerada durante mucho tiempo como la hermana pequeña de la fotografía “fine art”, como hermanastra de las fotografía “que se hace”.

Transcurre el tiempo hasta la aparición necesaria de una primera crisis documental. necesaria digo debido al uso reiterado de una misma temática, y de la misma forma de mostrarla. Unido esto también al abuso del blanco y negro y de un formato cinematográfico casi impuesto. El fotógrafo se revela contra unos contenidos faltos de originalidad, excesivamente trillados y sobrios; y apuesta a su vez por el uso del color y por toda clase de formatos (se rescata el gran formato).

Aparecen nuevos rumbos documentales que se desarrollan de distintas formas y con diferentes escuelas: la apuesta por una estética de la banalidad, la aparición de los temas no conceptuales, la aparición de la subjetividad total, el documento topográfico (los Becher), el documentalismo británico (la acidez de Martin Parr), la fotografía descriptivista americana y el New Color (Eggleston, Shore, Sternfeld), el documentalismo centroeuropeo, ..
El nuevo documental aprovecha todas las opciones anteriores para la consecución de su objetivo.

Volcados hacia el exterior, hacia el otro mundo, el aparentemente no conocido, los fotógrafos inundaron el Tercer Mundo, cubrieron guerras e inspeccionaron paises desconocidos,  y a su vuelta se dieron cuenta de lo inexplorado que estaba el suyo.
No sabían nada de su mundo, de su forma de vivir, de su sistema económico, de la existencia o no de valores comunes a ese Viejo Mundo que por descuido olvidaron.
Aparece la banalidad como motivo y todo aquello que aparentemente no tenía valor fotográfico ahora lo obtiene, la arquitectura, los objetos que nos rodean, las escenas mas cotidianas, los fotógrafos empiezan a ver cosas fotografiables donde nadie las ve.

“Fotografío esto, para ver como se ve en fotografías”

Se meten en el supermercado, en las tiendas, fotografían nuestros objetos, joyas, vallas publicitarias,…, se lucha contra todo aquello que había sido impuesto, contra lo que se había enseñado como atractivo.

El momento decisivo muere. El fotografiado aparece consciente ante la cámara, descubierto, de forma frontal, y en su sencillez esa fotografía nos abre nuevas puertas, nos hace formular preguntas mas allá de las que provoca la anécdota de un salto o de la casualidad. Estos documentos estáticos no interpretan la realidad, simplemente la recogen, genera preguntas mas que responderlas.

Conviven por tanto el fotógrafo estático con aquel que expresa su estilo y su forma de ver las cosas en sus fotografías, se nota su presencia y aprovecha todas las técnicas posibles para hacerla notar, para remarcar su personalidad y diferenciarse del resto.

Pero el punto de cambio principal, por encima de cualquier innovación técnica, del uso de byn o color, del motivo fotografiado, …, el concepto sobre el que todo cambia, es la nueva actitud del fotógrafo, se apuesta de forma total por la SUBJETIVIDAD, se procede a quemar cualquier ideario periodístico (el ideario Reuters, ver las partes no dedicadas al uso del editor de imágenes). Era la única vía posible, desligada ya la fotografía, como facilitó antes ésta a la pintura, de la misión de sostener la verdad.

“Not the picture of reality,but really just the picture.” (Jean-Luc Godard)

La crisis actual:

No parte tal crisis, como la anterior, de la reivindicación de nuevos temas, motivos y formas (lo que no es atractivo hoy lo será mañana) sino que es una crisis mas terrena, menos romántica, se trata de un problema de consumo y tiempo.

El fotografo documental actual intenta buscar su lugar, utilizando de forma consciente o insconciente las herramientas utilizadas por fotógrafos anteriores (el uso del byn o el color ya no es ninguna reivindicación, simplemente una opción) y lucha por situarse entre el aficionado de gatillo fácil y el artista incomprensible (el documento ha aspirado al arte de forma que nadie sabe si sigue siendo documento) , a lo mejor utilizando las mismas herramientas pero con afán de distancia.

El documental no vende, y para hacerlo hay que revestirlo de arte para tapizar galerías o desmenuzarlo en partes que ilustren artículos sesgados.
Hay que hacerlo todo deprisa, hay que generar fotografías de fácil digestión, cagables y de olvido garantizado. Las agencias buscan la foto que necesitan en un formulario electrónico seleccionando las etiquetas adecuadas, los periódicos y revistas pueden obtener veinte fotografías del mismo suceso o tema buscando en el buzón web repleto de fotos que algunos que pasaban por allí hicieron con el móvil.

¡Corred, corred, malditos!

Pocos son ya los elegidos, el fotógrafo tipo, hace fotos de la famosa de turno en la puerta de su casa y rescata alguna hora para acabar un proyecto interminable que tiene en mente, otro es electricista y ahorra de donde no hay para sufragar sus viajes de camping gas y canadiense y el albañil aprovecha el aprovecha el almuerzo para relatar su vida y hace bodas el fin de semana para sacar dinero.

Un poco de tiempo, por favor.

Imaginemos la habitación de un hospital, uno cualquiera, uno de esos encargados con el fin de la tristeza, enmarcados en gris.
Un hombre joven que se sabe muerto alterna las horas en las que no dormita entre el ejercicio de la mirada a través de la ventana y el dolor.
A escasos metros de allí , en el edificio donde se suelen repartir las alegrías, hace unas horas que nació un bebé, uno precioso, un bebé hermoso de cuatro kilos, la piel rosada y la cabeza llena de pelo, uno de esos pocos a salvo de los comentarios de marujas malcaradas.
Estas dos historias, estos dos momentos tan diferentes que conviven en el tiempo se entrelazan mas allá. El abuelo está muriendo y el nieto nace, un abuelo nervioso por saber como va todo,  si su nuera está  bien y ha sufrido lo justo, si su nieto nació sano, por saber si  es llorón, si es rubio y fuerte como él.
Y ese nexo lo encontramos en una abuela que recorre apresurada los pasillos plagados de padres risueños, pasa por delante de la cafetería con insoportable olor a fritos y café malo, con una carpeta entre los brazos mirando hacia adelante para no ver ahora a los que vienen a despedir lo que mas querían, a los hijos que creen que su padre o su madre, está preparándose para viajar a un cielo que no imaginan.
Tantea el pomo que abre la tumba y forzando la sonrisa entra, apretando los dientes para no llorar al ver lo que queda del gigantón que fué. Con cuidado extrae de la carpeta una fotografía que nuestro hombre recoge  para su escrutinio pausado, disfrutando sin disimulo los detalles que le ofrece.
Aquel será su único contacto con su nieto, nunca lo verá, no tendrá tiempo.

Dejemos de imaginar entonces, por que lo que aquí se cuenta no hace mucho ocurrió.

Cogemos la fotografía y observamos una parte de ese otro mundo que existió. A la izquierda y a la derecha había mucho más. Arriba y abajo no sabemos qué fue lo que no se mostró pero conseguimos imaginarlo. El encuadre nos enseña una pequeña parte de lo que hubo pero también nos sugiere lo que no vimos. El fotógrafo nos empuja a través de su imagen para “tropezarnos” con aquello que le llamó la atención. Pero podemos ver más, mucho más.

Cuando leemos un libro nuestra imaginación crea la escena, completa la descripción física del personaje y proporciona la interminable colección de detalles que “suceden” en ese momento preciso que el autor describe. Con el fotograma hacemos lo mismo: vemos, observamos, imaginamos y construimos la realidad a la que nos estamos asomando. El fotógrafo ha creado una mensajera, es el padre de la fotografía. Y esa mensajera es tan rápida y tan eficiente que en apenas un instante nos regala un mensaje. Esa imagen no es el fin de la comunicación entre fotógrafo y observador; ni siquiera es el objetivo que persigue el autor. Es el libro que debemos leer; es la canción que debemos escuchar, en definitiva, es la ventana que debemos abrir para asomarnos y ver.

Muchas veces pienso que la fotografía es una pieza de un inmenso puzzle. No es ni la pieza más importante ni la menos necesaria. Es exactamente igual que las restantes 999 que completan el mosaico. Una pieza más que recoge un significado concreto de un mensaje global, inmenso y maravilloso que nos toca descubrir.

Quizá alguno se haya percatado ya, pero os voy a mostrar un truquillo que aunque pueda parecer tonto, ilógico y todos lo que se os ocurra, la verdad es que funciona muy bien.

Simplemente se trata de ocultar todas las capas del archivo PSD o TIFF que estemos editando, justo a la hora de guardar. ¿El resultado? Nos ahorraremos un buen puñado de megas respecto al mismo archivo con las capas visibles. Dependiendo del archivo y del tipo de capas y máscaras el ahorro de peso puede superar el 75%. Si queremos seguir editando un archivo guardado, lo abrimos y activamos de nuevo sus capas. Increíble, ¿no?

Tiene una única desventaja… no se pueden ver vistas previas en catalogadores y visualizadores, pero nada dificil de solucionar con una simple acción que nos genere una miniatura en JPEG con el mismo nombre de archivo. Para los que tienen que meter todos esos PSD en un sólo DVD, los que tienen que mandar las fotos por FTP, o simplemente los que quieren ahorrarse un espacio en el disco duro, creo que les puede ir bien.

La crisis (silla) 2008.

Copia a partir de archivo interpolado proveniente de una cámara digital con resolución de dos megapixeles. Impresión gliceé sobre papel El Galgo. 5 ejemplares, precio según disponibilidad, si hace falta se sacan mas.

Crítica de la obra:

” El artista pretende ilustrarnos sobre la creciente crisis actual, poniendo como ejemplo la venta del mobiliario de madera noble de su casa y su sustitución por sillas de loneta del carrefour. Para ello no pretende influir en la captura y opta por una visión frontal del objeto haciendo que la silla parezca una silla y no un sofá o un dálmata de porcelana, respetando así la objetividad de la escena y apartando el velo de la mirada del espectador “.

Por cierto las gafas de pasta que debo cambiar semanalmente cuestan un dinero y debo financiar mi verborrea realizando obras de gotelé megalómano y con sus agradecidas aportaciones a mi cuenta paypal, nadiemeentiende@hotmail.com.

La pareja fotográfica Bleda y Rosa ha sido galardonada con el Premio Nacional de Fotografía 2008 otorgado por el Ministerio de Cultura. He de reconocer que desconocía a ambos autores por lo que he tenido que buscar para ver algo de su obra, y por lo que he visto, su trabajo se centra en lugares concretos que tuvieron algún tipo de relación con la historia y acontecimientos.

Me ha resultado curioso que los propios autores no estuvieran de acuerdo cuando el jurado ha argumentado el galardón en que “representan la renovación de uno de los fundamentos del medio fotográfico, la fotografía documental”, cuando los autores han comentado que ellos no han inventado nada.

Para ser sincero y sin entrar en la calidad de la obra de los premiados, me hubiera gustado que en los últimos años se reconociera a grandes fotógrafos de este país, que por su trayectoria y longevidad bien merecen este premio. Habrá que esperar otro año más

Bleda y Rosa |  Web
Ministerio de Cultura |  Premio Nacional de Fotografía

(19 Septiembre 1889)

….Siempre he pensado que las fotografías son abominables, no puedo tenerlas alrededor, particularmente las de las personas que conozco y amo. Esos retratos fotográficos se marchitan mucho más pronto que nosotros mismos, mientras que el retrato pintado es una cosa que es perdurable, hecho con amor y el respeto por el ser humano que se retrata ….

Van Gogh escribió estas palabras a su hermana Wilhelmina en una época en la que los pintores se valían muchas veces de fotografías para realizar sus retratos. Mi admirado pintor holandés que tanto y tan bien manejó los vivos colores, no soportaba ver retratos en blanco y negro. Lamentablemente nunca llegó a poder disfrutar de la fotografía en color.

Parece que Vincent, un apasionado en todo lo que hacía, defendía con esa frase una mayor dedicación, “amor y respeto” en los retratos pictóricos que en los fotográficos. Si tenemos en cuenta la diferencia de tiempo que se necesita para realizar un retrato en pintura y en fotografía, quizás lleguemos a entender el sentimiento de Van Gogh a este respecto.

Esa animadversión del pintor hacia el retrato fotográfico hizo que apareciese de espaldas en la única fotografía que se tiene de él ya adulto.

Leí el otro día un comentario de Victoriano sobre sus fotos, o más bien, sobre sus espectadores y a quienes se dirigen las fotografías. Me ha sorprendido la rotundidad de la afirmación del título, supongo que por distar de lo que pienso. Veamos…

Partamos de la base en la que tenemos nuestra fotografía y un espectador. Es evidente que cada uno tendremos una opinión diferente de la imagen, pero, ¿por qué? Pues por cómo sómos, cómo pensamos, nuestros conocimientos, nuestro estado de ánimo, etc… En definitiva, por todo lo relativo a nuestra psique. Todo esto básicamente es sobre lo que trata el ensayo sobre la Teoría de la Equivalencia de Minor White. En definitiva:

Fotografía + Persona mirando = Imagen Mental

Así pues, coincido en la idea de que el espectador interviene como parte importante del proceso.

Por otro lado, creo que al igual que a la fotografía le pedimos un mínimo de calidad (en términos generales, más allá de lo técnico) para tener un mínimo entendimiento, el espectador también debe de poseer una serie de conocimientos adquiridos, aunque quizá no conscientemente. Cité hace un par de años a Miguel Martín, profesor de literatura:

Hoy no se transmiten los mensajes como antes, con palabras, sino con imágenes, y quizá más importante que enseñar a leer ‘El Quijote’ es enseñar a interpretar un mensaje publicitario. Y lo digo seguro, y a pesar de ser profesor de Literarura, porque el que hace el mensaje y las imágenes es un ‘cervantes’ de hoy, y el que las recibe, si no sabe interpretarlas es un esclavo, le están engañando

…que bien hubiera poder haberlo dicho el mismo Moholy-Nagy:

El analfabeto del futuro no será el iletrado sino el ignorante en materia de fotografía

La pregunta obligada ahora es… ¿están preparadas las grandes masas para desenvolverse en la cultura visual? Mi opinión es que no. El analfabetismo es patente. Hoy por hoy es fácil impactar, sólo hay que apuntarse a la moda de la última receta photosopiana. El problema de las modas es que acaban pasando, por hastío.

Y es que al final todo se simplifica al dichoso porqué

Foto CC | Rodrigo Bertolino